Das Spiel der Gitarre ist jetzt fast unbegleitet, derart halten sich Bass und Drums zurück. Ist es das Ende des vorigen oder Anfang des nächsten Titels? Nicht klar auszumachen. Es wirkt als gitarristisches Intermezzo – Zwischentöne im Raum zwischen zwei Titeln. Bill Frisells Spiel, sein Stil, ist nicht nur cool, sondern auch minimalistisch. Es gibt nur wenige, leichte Variationen der Motivs, des Themas. Das ist sein Markenzeichen, hier bleibt er sich treu. Langsam kommt Fahrt auf, das Trio findet sich in einem Thema. Die Stimmführung ist unangefochtene Sache der Gitarre, die beginnt, sich warm zu spielen. Die andern ziehen mit, tun dergleichen. Bass und Drums fallen – fast unmerklich - in einen leicht swingenden Rhythmus, aber nur kurz, um sogleich wieder einen akzentuierten Takt zu schlagen. Ha, das war nur ein „Zwischenspiel“, denn jetzt ist eine Art zeitgemäßer Swing zu hören. Das Schlagzeug von Rudy Royston wird intensiver, dadurch auch lauter. Das bekommt dem Hall der Emmauskirche und dem Sound auch nur bedingt. Der Sound ebbt ab, die musikalischen Interaktionen laufen auseinander, isolieren sich, das Stück klingt ganz aus, ohne dass die Musiker nochmals zu einem gemeinsamen Thema gefunden haben.

Die Instrumente bewegen sich langsam auf einander zu, wahren dabei eine gewisse Distanz. Spielweise wie Intonation wirken nicht nur cool, sondern  unterkühlt. Die musikalische Kommunikation klingt „verwaist“, fast verloren im ECM-Sound. Töne, Tonfolgen und auch längere Sequenzen werden nur sehr sparsam verwendet. Kaum zu entdecken ist eine emotionale Kraft in ihrer Musik. Nun, ganz subjektiv gesagt: Von diesem Sound emotional gepackt zu werden fällt mir schwer. Das Publikum ist offensichtlich anderer Meinung, aber das ist das Schöne an der Subjektivität: sie gehört dir ganz allein.

Aber jetzt. Latin-Beat macht sich breit, ein raffinierter subtiler Rhythmus. Und das das ist auch melodisch ein Thema: St. Thomas von der Tenorsax-Legende Sonny Rollins. Bei der musikalischen Substanz des Titels geht es direkt ins Blut.

Hier stellt der Bass von Thomas Morgan die Melodielinien vor, überführt sein Spiel dann in ein Solo.  Auch sein Stil ist von Sparsamkeit der Figuren geprägt. Was den Rhythmus betrifft, so ist der Titel deutlich langsamer als im Original. Statt dem Feuer des karibischen Calypsos ist das wie mit angezogener Handbremse fahren oder Slow Calypso unter Valium. Nichtsdestotrotz legt auch Bill Frisell los, um seine Ideen, seine Figuren in den Latin-Sound zu packen. Der nimmt sich jede Menge Zeit, um möglichst viel an Läufen und Akkorden lässig wie souverän unterzubringen. Die Drums ziehen sich zurück und überlassen der Gitarre und dem Bass das Feld, das sie im Duo bearbeiten. Hier mal ein „Ball“, da mal ein Vorschlag, dann eine neue Idee. Auch mal das Titelthema anspielen. Das klappt auch alles bestens, aber ein klein wenig mehr Expressivität und Leidenschaft würde Song und Sound noch besser zu Gesicht stehen. Wiederholung des Titelmotive und dann wieder zurück zum Spielen in der Anfangsart des Suchens?

Nix da. Überraschung. Das Trio fängt an zu swingen, wie aus dem Nichts. Das Tempo wird schneller, der Ausdruck energischer, versehen mit einem Schlag Dramatik. Diesem Drive kann und will Bassist Thomas Morgan sich nicht entziehen und beginnt munter zu swingen. Dann erfolgt ein Wechsel zu mehr Walking-Bass-Figuren, um bald wieder in den ungeraden Rhythmus zurückzukehren. Darunter oder darüber legt Bill Frisell seine Soli. Was fehlt? Klar, ein Stück für den Drummer bzw. ein Schlagzeug-Solo. Der lässt sich nicht lange bitten und kommt – entgegen der bisherigen Stils – zu einem Power-Play-Solo mit allen Schikanen. Dem Publikum gefällt zu gut wie immer ein Schlagzeug-Solo, gleich was für eine Musik oder für ein Stil zuvor praktiziert wurde.

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